【舞台艺术众家议】
作者：邵玉茹（《曲艺》杂志社编辑）
当观众意识到自己为什么会笑，当某个看似轻松的情节在回味中显露出生活的质地，作品才完成了它更深层的表达。
在语言类节目中，“笑”往往被视为最直接、也最有效的反馈。轻松、解压、获得快乐一直是相声、小品、脱口秀等语言类节目常被期待的功能。只要观众笑了，作品似乎就完成了自己的使命。然而，当“好不好笑”逐渐成为语言类节目几乎唯一的评价标准时，我们关于“笑”的理解是否被简化了？特别是当下，喜剧形态不断丰富，语言类节目所面对的，早已不是如何制造笑点的单一命题，而是如何在观众、作者与演员之间，形成一种能够被共同理解和认可的笑的逻辑。从这个意义上说，让笑成立本身就是一项涉及三个方面的系统工程。
对观众而言，走进剧场或打开屏幕，本身就是一次主动选择。他们愿意将时间交给演员，期待的是一种区别于日常生活的轻松体验。观众需要从日常中短暂地“跳出来”，还能在笑过之后从生活中找到这种“笑”的深意。这种期待包含着对作品质量的基本判断，不仅在于有没有笑点，还在于这些笑点是否自然、是否可信、是否值得回味。
早年的观众或许更容易被情节推动、被包袱密集的作品打动，而当下的观众，在经历了大量喜剧内容的“训练”之后，对“套路”的识别能力越来越强，也更容易对重复表达产生疲劳。很多时候，观众产生的笑并不直接来自段子本身，而是来自观演预期被打破的瞬间。当作品中铺垫被巧妙反转，当观众熟悉的生活经验被重新排列，当一句看似平常的话在特定语境中突然“站住”，笑便自然发生了。这种笑是被邀请的，被引导的，而不是被强迫的。这也在提醒创作者，观众的笑从来不是理所当然的回馈，而是一种建立在期待与信任基础上的情绪回应。
对于作者来说，很容易将自己的“表达欲”当作全部的“创作动力”，沉浸于个人经验、个人判断，甚至个人情绪之中，却忽略了作品最终要面对的是具体的观众。真正成熟的创作，往往不是单向输出，而是不断向观众靠近的过程。这并不意味着迎合，而是一种视角上的转换，从“我要表达什么”，转向“观众能否接住”，进而重新审视自己的创意是否成立。
一些作品之所以没能在舞台上打响，问题并不在于题材陈旧，而在于表达角度过于自我。作者过于沉浸于个人机智之中，却忽略了观众是否拥有足够的情境支撑，这时笑点便是悬空的，这样的创作没有完成作者与观众之间的“共谋”。好的语言类作品往往在创作之初就假设观众是“在场的”，创作者会考虑观众的生活经验、认知背景，甚至对某些话题的敏感程度。笑点不是被抛向观众的，而是被一步步引出来的。从这个角度看，作者的自我克制恰恰是作品成熟的标志。当作者愿意放下炫技式的表达，把聪明藏在结构里，把情绪交给人物，把判断留给观众，作品才真正具备了穿透力。
如果说作者完成的是作品文本的结构搭建，那么演员要做的则是在现场的立体呈现，演员并不是作者的“执行者”，而是创演链条中不可或缺的“完成者”。演员要通过动作语言、节奏控制和情绪调度，让文本语言在舞台上变得可听、可视、可感。同样题材、相近结构的作品，不同演员呈现出的效果往往差异很大。这种差异并不完全来自演员个人的表演技巧，更多来自演员对人物关系、情节逻辑的认识和理解。成熟的演员在舞台上往往并不急于“抖包袱”，而是先让人物“站住”，让角色行为在故事逻辑中自然推进，笑点才会随之浮现。与此同时，演员也需要警惕对即时舞台反馈的过度依赖。当表演过于追逐掌声与笑声，演出节奏很容易被打乱，人物塑造也可能被削弱。真正有力量的表演是在感知到观众反应时，依然能够保持对作品整体结构的把控。
回到“笑”的本身，它之所以成为语言类节目社会价值的核心元素，并不仅是形式上的需要，更因为它回应了一种普遍的社会心理诉求——观众想在现实中获得片刻的松弛与共鸣。然而，当笑被过度工具化，它也可能迅速变得空洞。语言类节目最有力量的时刻，往往发生在笑声渐弱的瞬间。当观众意识到自己为什么会笑，当某个看似轻松的情节在回味中显露出生活的质地，作品才完成了它更深层的表达。这种笑不是消耗式的，而是具有余温的。它可能来自对现实的轻微刺痛，也可能来自对人性的温和理解。观众在笑声中获得的不只是快乐，还有一种被理解、被陪伴的感受。
从这个角度看，讨论如何让“笑”成立，并不是要求语言类节目承担过多的社会功能，而是提醒创作者、演员与观众共同珍惜“笑”的价值，笑可以很轻，但不能很空；可以很快，但不能很浅。当语言类节目能够在这样的共识中不断生长，它的笑声才会真正经得起时间的检验。
《光明日报》（2026年02月04日 16版）
